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Uno dei tic più singolari, e a modo suo tragicomico, del sistema dell’arte odierno è la sua totale incapacità di uscire dai binari della propria auto-interpretazione.
Quasi tutti gli attori sono talmente incastrati dentro il proprio ruolo, e il modo in cui questo ruolo si addentella con gli altri ruoli e funzioni, ‘gira’ con essi, che non è praticamente consentito fare un ragionamento, ma solo ripetere mantra aziendalisti. Così, basta anche solo pronunciare la parola oligarchia – qualcosa che è peraltro così ovvio da essere sotto gli occhi di tutti ogni giorno e a ogni livello – che subito si assiste a grandi salti sulle sedie, più o meno metaforici.

La relazione con la critica d’arte

Il mondo dell’arte si è talmente irrigidito da essere giunto di fatto a espellere non solo la critica e la critica dell’arte, ma anche ogni discorso critico su se stesso, ogni discorso cioè che si discosti dai comunicati stampa, dalle versioni ufficiali proiettate verso l’esterno, dall’interpretazione cioè tutta interna che esso si auto-impone. Dunque, qualsiasi sguardo che venda da un altro punto, da un’altra posizione o angolazione, viene automaticamente percepito come una minaccia. (Viene da chiedersi a questo punto come sia possibile anche solo immaginare che possano emergere opere brillanti all’interno di un regime di controllo così esasperato.)
E perché avviene questo? Perché, a differenza forse delle altre oligarchie che in questo momento storico hanno preso la scena e la occupano con baldanza e prepotenza, qui nel recinto si vuole ancora salvaguardare le apparenze. Si desidera il più possibile dimostrare di essere inclusivi – misteriosamente, va detto, dal momento che questo desiderio viene espresso da uno dei sistemi in assoluto più esclusivi che esistano.

Inclusione ed esclusione sociale nel mondo dell’arte

L’esclusività, l’esclusione funzionano all’interno di precise dinamiche di potere, economiche, relazionali, e regolano i rapporti (pressoché nulli) di questo interno con l’esterno – la realtà. Solo che l’arte, per sua precisa natura – per delle caratteristiche e dimensioni strutturali, per così dire – non può proprio comportarsi come le altre oligarchie politiche, industriali, comunicative – cioè arrivare al punto di fregarsene altamente di tutto quanto, di tutto il resto (tutto quanto e tutto il resto essendo: la cultura, la storia dell’arte, la critica, il ruolo dell’opera, i meccanismi di validazione, ecc. ecc.) e di dire, come il Marchese del Grillo, “io sò io, e voi non siete un c…”.
Non può (ancora), perché appunto l’arte – in attesa magari di essere definitivamente sostituita da una materia più docile, più malleabile, più efficiente, come già da parecchi punti di vista sembra stia accadendo… – conserva qualche rimasuglio e qualche scoria di imprevedibilità, di rozzezza, di maleducazione, di ambiguità. Di resistenza.

Opere d’arte e resistenza

Questo quid di resistenza consiste proprio nel particolare ‘tono’ che a volte l’arte riesce ad assumere: l’essere cioè infinitamente sfuggente, faticosa e difficoltosa da sistemare, da mettere al suo posto; l’essere insopportabilmente inefficiente, il non servire a uno scopo specifico (comunicativo, politico, mercantile); il sapersi trovare in un posto nuovo, insospettabile, che non è la casella dove gli altri magari volevano infilarla; il non rispettare quindi le gerarchie e gli ordini di scuderia.
L’arte, dunque, in special modo quella più raffinata e sofisticata, sa essere molto stupida. “Stupida” secondo gli standard odierni, che non segue cioè le indicazioni che le converrebbero maggiormente da un punto di vista materiale. Voglio dire che l’arte migliore, oggi (ma anche ieri) è probabilmente quella che invece di parlare la lingua più comune e diffusa, quella del successo e che tendenzialmente garantisce con buona approssimazione il successo, si sforza ogni giorno di costruire il proprio linguaggio – sbagliato, sbilenco, difettoso, sbagliato, a tratti incomprensibile – per il semplice motivo che non saprebbe parlarne un altro – soprattutto quell’altro.

Il linguaggio dell’arte contemporanea

Lo sforzo, dunque, dovrebbe consistere nel cominciare a non pretendere che anche l’arte, come tutti gli altri territori dell’attività umana, si adegui a quell’altro linguaggio (materialista, aziendalista, efficiente), ma nel coltivare quello che le appartiene e che in fondo le è sempre appartenuto. Quel linguaggio è unico, è solo dell’arte – ed è anche il solo in grado di costruire altri modi di pensare, di leggere il mondo, e anche di immaginarlo.
Christian Caliandro
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L’articolo "L’arte funziona quando sfugge dalle regole e riesce a pensare e immaginare il mondo" è apparso per la prima volta su Artribune®.

Jago conquista un altro palcoscenico di pregio. Un’altra occasione importante per condividere la propria pratica artistica, il proprio immaginario. Stavolta è la Pinacoteca della Veneranda Biblioteca Ambrosiana di Milano ad accogliere una sua opera, a partire dall’8 maggio e fino al 4 novembre 2025. E come spesso accade nei suoi progetti, ad andare in scena è il dialogo con un grande artista del passato, con iconografie celebri, con linguaggi della tradizione. Dopo i rimandi diretti a Michelangelo, citato nella sua Pietà e nel suo David – l’una reinventata al maschile, l’altro al femminile, rispettivamente esposti nella Chiesa degli artisti a Roma (2021) e nell’atrio delle Gallerie d’Italia a Napoli (2025) – stavolta è con Caravaggio che l’artista si confronta. Un confronto di quelli che dovrebbero far tremare i polsi e che richiedono la forza di un lavoro complesso, maturo, centrato, non esaurendosi in accostamenti di maniera, sul filo di assonanze vaghe, pretestuose. Jago – al secolo Jacopo Cardillo, classe 1987 – ci prova, immaginando una connessione tra la Canestra di frutta, icona delle collezioni dell’Ambrosiana, e una sua natura morta, fedele al mondo che gli appartiene: il marmo, la figurazione realista, il colore bianco.

La “Canestra di frutta” di Caravaggio

Il capolavoro caravaggesco, dipinto tra il 1597 e il 1600, la cui presenza è documentata nella collezione del Cardinale Borromeo già dal 1607, si inseriva in quel clima di rinnovamento iconografico che dopo il Concilio di Trento attribuì particolare capacità comunicativa e immediatezza espressiva a temi non tipicamente devozionali, legati al mondo della natura e carichi di rimandi allegorici. Era un modo nuovo e incisivo di comunicare con i fedeli, funzionale alle esigenze di una Chiesa assorbita dalla missione controriformista. Il genere della natura morta, di cui la Canestra di frutta è uno dei primi e più straordinari esempi, si diffuse largamente: in un clima di forte moralizzazione, persino di censura, mentre si attuava un controllo scrupoloso della correttezza iconografica delle rappresentazioni sacre, questa tipologia di soggetti garantiva agli artisti ampia libertà di ricerca pittorica e stilistica.
Caravaggio restituisce qui, con minuziosa verità e cura del dettaglio, la perfezione di un’immagine tanto semplice, quanto portatrice di significati alti, evocazione della caducità dell’esistenza: un soffio sospeso tra il tutto e il nulla, tra lo splendore folgorante e il decadimento necessario. Vita, morte, un palcoscenico tragico e indiviso in cui il sentimento del sacro brilla in lontananza come orizzonte e speranza ultima.
L’esercizio di realismo è quasi fiammingo, intriso di luce e di potenza descrittiva, nell’opposta magia di un teatro vuoto, decontestualizzato, quasi metafisico, senza alcuna connotazione d’ambiente, senza particolari che possano distrarre dal protagonista assoluto, emerso dal chiarore di un fondo neutro. In bilico su un bordo sottile, precario eppure potentissimo, questo bouquet di frutti variopinti e lucidi, di foglie bagnate dalla rugiada e sul punto di appassire, è una perfetta sintesi tra la bellezza nel suo acme e l’attesa della sua sparizione.

La “Natura morta” di Jago in mostra all’Ambrosiana

Jago sceglie di porvi accanto un’opera inedita, dal titolo tautologico che non indica e non svela: Natura morta, semplicemente. Anche qui una rappresentazione di oggetti inanimati raccolti in un cesto, scolpiti in un bianco candido che contrasta con la natura controversa del soggetto. Niente fiori o frutti, per un d’après molto personale: sono armi, pistole, proiettili, mitragliatrici, restituiti nel realismo del modellato e nella preziosità del marmo. Da un lato l’esigenza di replicare un frammento freddo di realtà, privo di alcun intento narrativo. Dall’altro il riferimento a una morte intesa non come dimensione esistenziale, ma come aggressione, sopraffazione. La lettura non può che spaziare dai più recenti ed efferati casi di cronaca, al tema dei grandi conflitti bellici in corso. Il tentativo è di toccare corde sensibili, puntando su quel contatto emozionale con lo spettatore, tipico dei lavori dell’artista.
“Una natura morta è una natura morta”, ha spiegato Jago all’ANSA.“Sono talmente disgustato e afflitto da quello che mi arriva in questa era di comunicazione che non sono in grado di produrre un racconto (…) Nella Canestra di Caravaggio quasi possiamo sentire il sapore di quella mela, è qualcosa che abbiamo nella memoria, c’è una prospettiva di caducità ma anche di vita che resiste“. E ancora: “Questi oggetti non li ho inventati, io non ho fatto niente, ho fatto una composizione per dire qualcosa che è indicibile. I veri creatori sono i criminali di guerra che ogni giorno fanno migliaia di vittime. Io non ho creato quegli strumenti di morte, li ho atteggiati in una composizione. Noi partecipiamo e viviamo di cose non raccontabili, cosa oscene“.

Significati e rischi del dialogo tra Jago e Caravaggio

La scultura è sì inedita, ma non è nata come riflessione sul capolavoro caravaggesco: non si tratta di un progetto site-specific. Una pratica, quella dell’accostamento a posteriori tra opere contemporanee e opere antiche, per certi versi insidiosa, ma che può derivare da intuizioni assai interessanti. Lo ricorda lo stesso Jago, allontanando l’idea che l’audace confronto fosse voluto, cercato: “Non avrei osato avere una conversazione di questo tipo”. Avendo raccontato dell’opera alla società Arthemisia, questa, che era in comunicazione con la Biblioteca Ambrosiana, ne colse l’interesse: “Ne abbiamo parlato con i responsabili ed è nata la mostra“.
L’accostamento riporta dunque al tema della fine delle cose e della fragilità, in una chiave cruda e attualizzata, che fa leva sullo shock della violenza e sui suoi simboli più convenzionali. È la ricerca dell’effetto forte, di un contrasto che sappia stupire, in forza di quelle retoriche emotive a cui l’artista è avvezzo. L’evento si colloca all’interno di un lodevole progetto di apertura al contemporaneo con cui l’Ambrosiana si sta cimentando, testando nuove strade e nuovi target di pubblico (a novembre è attesa una personale di Nicola Samorì, mostra congiunta con il Museo di Capodimonte, a cura di Demetrio Paparoni con Eike Schmidt e Federico Gallo, direttori delle due istituzioni). La responsabilità di un simile confronto avrebbe però richiesto una cautela maggiore, con la scelta di linguaggi meno facili e di grandi autori avvezzi a sfide così alte, al netto del successo mediatico che un nome popolare come quello di Jago può assicurare. Forse un po’ di foga da parte di un’istituzione di pregio, impegnatissima a svecchiare la propria immagine (l’abbiamo anche premiata per questo), che ha optato in questo caso per la scorciatoia dell’artista con un grande seguito sui social. 
Tecnicamente ben eseguita, l’opera porta con sé un messaggio chiaro, che arriva a tutti. Ma il carico visivo, con questi giocattoli di marmo che parlano di criminalità e di guerra, rischia di fare a pugni con un’opera dalla straordinaria presenza iconografica, con la sua profondità poetica, simbolica, concettuale. Un capolavoro che chiede enorme delicatezza: più un sussurro che un grido, più una nota meditativa che un’invasione di campo. 
Helga Marsala
Natura Morta. Jago e Caravaggio: due sguardi sulla caducità della vita
Pinacoteca Ambrosiana
Piazza Pio XI 2, Milano

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Chi si occupa di fotografia di moda sa che George Hoyningen-Huene (San Pietroburgo, 1900 – Los Angeles,1968) è uno dei grandi maestri di questo genere fotografico, pur non limitandosi a quello. La mostra Glamour e Avanguardia, proposta a Palazzo Reale a Milano, curata da Susanna Brown, è un’importante occasione per far luce su tutta la sua opera, facendola scoprire anche a un pubblico più ampio.

Una rassegna, accompagnata da un catalogo edito da Moebius, che presenta anche alcuni straordinari vintage, ricca di immagini che coprono l’intero cammino di Hoyningen-Huene e le sue diverse tipologie di scatti.

La storia di George Hoyningen-Huene in mostra a Palazzo Reale a Milano

La sua storia è comune a quella di altri aristocratici russi. Nato nel 1900 da una nobile famiglia, fin da bambino viene condotto in Europa: dalla Svizzera alla Germania all’Italia, paese da cui rimane profondamente colpito. Scopre la classicità che diventerà un elemento portante del suo lavoro, come mostrano fotografie esposte. Impara le lingue e vive una vita assai movimentata. Fa parecchi lavori, anche l’attore, prende lezioni di pittura e finalmente nel 1924 collabora con Man Ray, un altro russo, a un portfolio fotografico.

George Hoyningen-Huene un amante dell’arte oltre che della fotografia

Prima di vendere il suo lavoro fotografico, vende quello di illustratore a Harper’s Bazaar e a Vogue. L’anima artistica del suo lavoro è evidente. La prima foto pubblicata, su Vogue, è del 1926, nell’anno successivo pubblica anche su Vanity Fair. Si dedica poi al cinema amatoriale. La sua ricerca è densa di una serie di caratteristiche e componenti che la rendono unica, tra cui la luce che ne costituisce un elemento fondante; Hoyningen-Huene la utilizza con rara maestria, come strumento per far emergere l’elemento scultoreo e tridimensionale tanto nelle foto di moda che nei ritratti. Nel 1929 partecipa alla mostra epocale Film und Fotos, la cui prima sede è Stoccarda, in cui si sottolineano le peculiarità linguistiche del cinema e della fotografia.

I suoi amici sono tra i più importanti protagonisti, nell’arte e nella moda, di quella particolare stagione culturale tra gli Anni Venti e Trenta del Novecento, tra cui Elsa Schiaparelli, Cecil Beaton e Horst P. Horst, con cui vive un intenso rapporto amoroso. Gli abiti di Lelong, Chanel, Vionnet, Lanvin, Balenciaga sono immortalati dall’obiettivo di Hoyningen-Huene, che riesce a coglierne la portata rivoluzionaria.

La mostra a Milano racconta anche il rapporto con il cinema di Hoyningen-Huene

Con Horst P. Horst condivide la casa di vacanze ad Hammamet in Tunisia, che nel tempo diventerà il suo buen ritiro. L’Africa negli anni Trenta è un soggetto privilegiato della sua fotografia, così come in seguito la Grecia.

È affascinato, durante tutta la sua vita, dai paesi del Mediterraneo di cui riesce a catturare le atmosfere, la luce. Nel suo intero percorso è fondamentale il rapporto con il cinema, segnato dall’amicizia con George Cukor con cui collabora a È nata una stella con Judy Garland. Nel 1980, dodici anni dopo la sua morte, l’International Center of Photography diNew York produce la sua prima grande retrospettiva che arriverà anche a Londra e a Parigi, consacrandolo come uno dei grandi maestri della fotografia a trecentosessanta gradi, non solo di moda. Un punto di riferimento per molti, primo fra tutti Robert Mapplethorpe. 
Angela Madesani
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Due anni fa, la Fondazione Alberto Peruzzo inaugurava la sua nuova sede a Padova, al termine di un lungo lavoro di restauro e riconversione della ex Chiesa di Sant’Agnese. Un passaggio di consolidamento delle finalità che hanno sempre ispirato l’istituzione fondata nel 2015 dal collezionista Alberto Peruzzo per promuovere l’arte contemporanea in relazione alla tutela e all’arricchimento del patrimonio artistico e storico del territorio. 

Il nuovo bookshop della Fondazione Alberto Peruzzo

In quest’ottica, gli ambienti della chiesa duecentesca sono stati trasformati in spazi espositivi con la navata dedicata alle installazioni temporanee, il terrazzo alla raccolta dei reperti trovati nel corso dei restauri e la sacrestia alla collezione della Fondazione (più di centocinquanta opere, spaziando dall’inizio del Novecento ai giorni nostri, esposte a rotazione).
E dal 24 maggio, chi visita la Fondazione potrà usufruire anche del nuovo bookshop Dante61, ricavato accanto all’ex chiesa per valorizzare le culture visive e le nuove pratiche editoriali. La libreria promuoverà, infatti, progetti d’artista, case editrici indipendenti, libri in edizione limitata, cataloghi d’arte e realtà editoriali di nicchia. Per l’occasione sarà presentato il cofanetto Fondazione Alberto Peruzzo, 2011-2025, tre volumi che ricostruiscono la storia della fondazione.  

INTRA: la prima edizione del festival di arti performative della Fondazione Alberto Peruzzo

Ad apprezzare il nuovo spazio sarà, innanzitutto, il pubblico del festival di arti performative INTRA, novità significativa nella programmazione della Fondazione, pensato per affiancare all’attività espositiva dell’istituzione incursioni in altri linguaggi espressivi, creando un momento “tra le mostre” che trasformerà gli spazi dell’ex chiesa in un luogo di contaminazione.
La prima edizione di INTRA si terrà dal 9 al 28 maggio, con 16 appuntamenti tra arte, musica, teatro e performance, molti dei quali accomunati dalla vocazione all’improvvisazione.
Si partirà, il 9 maggio, con l’evento inaugurale affidato alla musica della clarinettista Greta Romani e del contrabbasso solo di Mirco Ballabene, in dialogo con la mostra Riflessi di Storia. Echi di futuro di Giovanni De Sandre, che ha fotografato la trasformazione dell’ex Palazzo Lanza. Adiacente alla chiesa di Sant’Agnese, nel 2018 il palazzo è stato acquisito dalla Fondazione, ed è in corso di riqualificazione per ospitare nuovi spazi espositivi.
Un nuovo appuntamento musicale si terrà mercoledì 14 maggio, con il concerto della DOOOM Orchestra, collettivo di giovani musicisti che esplora l’improvvisazione, anticipato dall’anteprima del documentario Our Sea Lies Within. Giovedì 22 maggio sarà invece protagonista la danza con Inesorabilmenteunavia, di Emma Zani e Roberto Doveri: performance ispirata da Il Bisonte (1998) di Bizhan Bassiri e Stefano Taglietti, una video-opera che indaga il rigenerarsi implacabile della natura. Nella stessa giornata sarà organizzata anche la prima edizione di Viadante Art District, in sinergia con altre realtà artistiche di via Dante: per tutto il giorno la strada chiuderà al traffico per trasformarsi in un salotto dedicato all’arte, tra studio visit e incontri.
E ancora, domenica 25 maggio, Electric Body proporrà il concerto-performance di Pollini Electroacoustic Ensemble a cura della Scuola di Musica Elettronica del Conservatorio Pollini di Padova. A seguire, con gli allievi di Spaziodanza Padova, una performance in cui il corpo dei danzatori diventa generatore di suoni grazie al movimento captato da sensori con cui interagiscono i musicisti del Conservatorio.

Il maxi calcetto di Maurizio Cattelan per sfidarsi in chiesa

Ma il debutto di INTRA sarà anche occasione per portare nella navata di Sant’Agnese la celebre installazione STADIUM, presentata per la prima volta da Maurizio Cattelan nel 1991 alla Galleria d’Arte Moderna di Bologna. L’opera – un calcetto balilla lungo quasi 7 metri per sfide di 11 contro 11 giocatori – è un invito a interagire con l’arte, ma offre anche l’opportunità di riflettere sull’inclusione, il razzismo (al suo esordio, l’installazione fu attivata da una sfida tra una squadra composta da bianchi e una da migranti), la divisione in classi della società contemporanea. Una critica sarcastica – tra l’incontro e lo scontro – ai modelli di integrazione adottati negli ultimi anni dalle società europee e occidentali.
Livia Montagnoli

L’articolo "Parte un nuovo festival di arti performative in un’ex chiesa di Padova" è apparso per la prima volta su Artribune®.